Edgar Degas

Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.

Carrera artística

Después de regresar de Italia, Degas copió pinturas en el Louvre. En 1865 algunos de sus trabajos fueron aceptados en el Salón, y gradualmente ganó respeto en el mundo del arte convencional. En 1870, hacia el final de la Guerra Franco-Prusiana, Degas se alistó en la guardia nacional, en donde la defensa de París le dejó poco tiempo para su pintura. Durante el entrenamiento con el rifle se le diagnosticaron problemas en su visión, y durante el resto de su vida la salud de sus ojos fue motivo constante de preocupación. Finalizada la guerra, Degas visitó a su hermano René en Nueva Orleans, y produjo un número de trabajos, muchos sobre familiares, antes de regresar a París en 1873. El siguiente año, Degas ayudó a organizar la primera exhibición impresionista. Los impresionistas hicieron siete presentaciones posteriores, la última en 1886; Degas exhibió su trabajo en todas ellas salvo una. Por este entonces Degas se convertiría también en fotógrafo amateur, tanto por placer como para capturar una acción con precisión para su pintura.

En 1874, tras la muerte de su padre, surge una demanda del estado que revela que René (su padre) contrajo enormes deudas. Para preservar el buen nombre de la familia, Degas se ve forzado a vender su casa y una colección de arte que había heredado. De repente se encuentra dependiente de las ventas de su arte como única fuente de ingresos. Después de varios años su situación financiera mejora, y las ventas de su trabajo artístico le permiten dar rienda suelta a su pasión por coleccionar trabajos de los artistas a quienes admira, grandes maestros como El Greco, modernos cómo Delacroix, y contemporáneos suyos Cézanne, Gauguin o Van Gogh. Ingres y Manet fueron especialmente bien representados.

A medida que pasaron los años Degas se aisló, en parte debido a su creencia de que «un pintor no puede tener vida personal». La controversia del Caso Dreyfus reveló sus inclinaciones antisemitas, rompiendo con sus amigos judíos. Se cree que estuvo trabajando en pastel hasta fines del año 1907, y también que continuó haciendo escultura hasta finales de 1910. Aparentemente dejó de trabajar en 1912, cuando la demolición de su residencia en la rue Victor Massé lo forzó a mudarse al bulevar de Clichy. Nunca se casó y pasó los últimos años de su vida prácticamente ciego, «vagando sin sentido por las calles de París» hasta morir en 1917.

Estilo Admiraba a Ingres y los maestros del renacimiento italiano, pero también recibió la influencia del arte japonés y las tendencias simbolistas. En sus primeras obras sigue las tendencias neoclásicas, pintando cuadros de historia influido por el romántico Delacroix. Es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. No obstante, su estilo se desmarca del grupo en varios aspectos, fundamentalmente en su preferencia por los temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de otros miembros del grupo; su formación académica se evidencia en que no abandona el dibujo sino que lo convierte en elemento esencial de sus elaboraciones de figuras, predominando pues la línea sobre el color; abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al pastel; utiliza encuadres que lo acercan a la fotografía.

Realizó retratos y series sobre el mismo tema, destacadamente las bailarinas, pero también sobre las carreras de caballos, uno de sus temas favoritos, en el que explora el movimiento. Otra serie son los desnudos femeninos que realiza sobre los distintos momentos de la toilette femenina. También representa escenas cotidianas de mujeres, lavanderas, planchadoras o burguesas. A partir de 1880 usó cada vez más el óleo, en particular cuando trata desnudos femeninos. Esta técnica resultaba ideal para materializar su interés por el dibujo y la realidad instantánea y cambiante.

Esta línea de preferencia por la luz artificial y los ambientes urbanos es seguida por el postimpresionista Toulouse-Lautrec. Degas fue uno de los pintores, junto a Ingres y Rafael, que Paul Gauguin admiraba y Van Gogh detestaba, como señala el primero en una carta a Émile Bernard, datada en Arlés, 1888. Una de sus obras, a la que llamó La pequeña bailarina de 14 años, fue la única escultura exhibida por Edgar Degas en una exposición. Actualmente está esculpida en bronce, pero Edgar Degas la esculpió en cera. Unos estudios recientes han demostrado que el «esqueleto» de la escultura no se hizo de alambre, sino de madera de pinceles viejos.

Obra

* Réné de Gas con el tintero (1855), Smith College, Museum of Art, Northampton

* Jóvenes espartanas provocando a los jóvenes (1860), National Gallery de Londres

* La familia Bellelli (1860–1862)

* Semíramis construyendo Babilonia (1861), Galerie nationale du Jeu de Paume, París

* Carreras de caballos. Antes de la salida (1862), Museo de Orsay, París

* Escena de guerra en la Edad Media (1865)

* Los músicos de la orquesta o La orquesta de la Ópera (1868), Museo de Orsay, París

* La bolsa del algodón en Nueva Orleans (1872)

* El foyer de la danza en la Ópera (1872), Museo de Orsay, París

* La mujer del jarrón (1872), Jeu de Paume, París

* El Conde Lepic en la Plaza de la Concordia o Vicomte Lepic atravesando la Place de la Concorde (1873)

* Bailarina de verde, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

* Dos damas en la sombrerería, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

* Caballos de carreras (1874)

* Ensayo de ballet (1874)

* El ajenjo (L’absinthe) (1876), Museo de Orsay, París

* Fin del arabesco (1876–1877)

* Mujeres en la terraza (1877)

* La La en el circo Fernando (1879), National Gallery de Londres

* En las carreras, ante las tribunas (h. 1879), Museo de Orsay, París

* Bailarinas azules (1890)

* La taza de té (h. 1894), Tate, Londres

* Bailarinas rusas (h. 1895), Museo Nacional de Estocolmo

* Mujer bañándose (1895), Museo Soumaya, Ciudad de México Además de sus cuadros, Degas dejó una amplia obra gráfica: dibujos, grabados y monotipos.

Leonora Carrington

Leonora Carrington nace en 1917, en Lancashire, Inglaterra. Su padre fue un industrial inglés y su madre, irlandesa, estimuló su imaginación con cuentos de hadas y otras historias. Carrington se nutre de la literatura de lo absurdo, lo siniestro y lo sobrenatural; fábulas y relatos épicos de los dioses nórdicos.Carrington estudió durante un tiempo en la Chelsea School of Art de Londres, y en 1936 ingresó a la academia de arte del pintor purista Amédée Ozenfant.

En esta época, descubrió libros sobre la alquimia y lo esotérico, y entró en contacto con el surrealismo. Su madre le regaló el libro de Herbert Read El Surrealismo, en cuya portada aparecía el cuadro de Max Ernst Dos niños amenazados por un ruiseñor. En 1936 conoció a Max Ernst, en Londres; juntos parten a Francia donde viven dos años, participando en la efervescencia del surrealismo. La relación entre Carrington y Ernst significó un intenso intercambio estético que enriqueció a ambos; ella le mostró obras de M.R. James y Lewis Carroll y él la introdujo a C. G. Jung y a las tradiciones literarias del romanticismo alemán y francés. En 1938 participan en la Exposición Internacional de Surrealismo en París y Amsterdam.

Al estallar la guerra, Ernst es trasladado a un campo de concentración, del que sale en 1940, pero lo encarcelan nuevamente y Carrington escapa a España. Durante el trayecto, sufre una crisis nerviosa, y es internada en una clínica en Santander. Logra escapar en Lisboa, se refugia en el consulado mexicano y se casa con Renato Leduc, diplomático y escritor mexicano, con quien viaja a Nueva York y a México. A su llegada a Nueva York, protegida por el consulado mexicano, se reúne con sus amigos surrealistas y participa en sus actividades.

En 1942 se instala en México y se divorcia de Leduc, con quien mantiene una buena amistad. Se asocia al grupo de surrealistas refugiados de la guerra: Benjamin Péret, Kati y José Horna, y conoce a Emerico (Chiki) Weisz, fotógrafo húngaro, con quien se casa en 1946. Leonora Carrington formó parte de una migración europea sin precedentes, muchos de ellos refugiados políticos que fueron acogidos por el gobierno de Lázaro Cárdenas en la década de los cuarenta. Entre éstos había varios artistas vinculados con el movimiento surrealista, grupo que después llegó a integrar Remedios Varo -con quien Carrington estableció una estrecha amistad-, Wolfgang Paalen y su esposa Alice Rahon, entre otros. Publica Down Below, el relato de su experiencia por la locura que había escrito, alentada por Andre Breton y Pierre Mabille. En 1947 se inaugura su primera exposición individual en Nueva York, y desde entonces, ha vivido entre esa ciudad y México. En 1949 lee a Robert Graves (La diosa blanca), que la marca profundamente y tendrá una gran influencia en su obra.

En 1960 el INBA organiza una muestra individual de su obra en el Palacio de Bellas Artes, en 1976 en el Museo de Arte Moderno y en el 1989 en el Museo Nacional de la Estampa. Realiza el mural El mundo mágico de los mayas para el Museo Nacional de Antropología e Historia.

Su obra ha sido presentada en galerías y museos de México, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Alemania, Suiza y Japón. En 1990 participa en la exposición «La mujer en México», exhibida en la National Academy of Design en Nueva York.

Fuente: http://www.arts-history.mx

Armand Guillaumin

Armand Guillaumin (Moulins, 16 de febrero de 1841 – Orly, 26 de junio de 1927), fue un pintor y grabador francés de estilo impresionista. Mientras otros maestros de su círculo (como Renoir y Cézanne) abandonaron pronto el impresionismo puro y conformaron estilos más personales, Guillaumin se mantuvo fiel a los rasgos más reconocibles de dicha corriente y es considerado de hecho «el impresionista más fiel y longevo».

Vida y carrera Nació como Jean-Baptiste Armand Guillaumin en Moulins, aunque desde niño vivió en París, capital que algunas fuentes citan erróneamente como su lugar de nacimiento. Trabajó en la mercería de su tío al mismo tiempo que recibía clases de dibujo. También trabajó para un ferrocarril del gobierno francés antes de estudiar en la Academia Suiza en 1861. Allí conoció a Paul Cézanne y Camille Pissarro, con quienes mantuvo una larga amistad.

Su afición por el arte le absorbía cada vez más tiempo, lo cual desagradaba a su familia, por lo que Guillaumin optó por emanciparse de ellos y proseguir su formación como pintor. Al igual que Cézanne, sufrió penurias económicas ya que dejó de contar con el apoyo familiar y apenas vendía algún cuadro. Ambos jóvenes pintores compartieron un viejo estudio que había ocupado Charles-François Daubigny y contaron con el apoyo del doctor Gachet, quien luego sería amigo de Van Gogh. Guillaumin expuso en el Salon des Refusés (de los Rechazados) en 1863.

Aunque nunca alcanzó la altura de Cézanne y Pissarro, la influencia de Guillaumin en la obra de éstos fue significativa. Cézanne intentó su primer grabado basándose en pinturas de Guillaumin de barcazas en el río Sena, y en otro aguafuerte retrató a Guillaumin de cuerpo entero, sentado en el suelo. Esta imagen de 1873 se titula en francés Guillaumin au pendu (Guillaumin con ahorcado) por la curiosa figurita de un hombre ahorcado que Cézanne incluyó en ella a modo de anagrama. También el propio Guillaumin realizó grabados en esos años: unos diez, todos de paisajes. Y participó en varias de las exposiciones impresionistas que el grupo organizó entre 1874 y 1886. Se hizo amigo de Paul Gauguin, quien le presentó a varios artistas jóvenes como Odilon Redon. Se cuenta que Gauguin intrigó para atraerse la amistad de Guillaumin y distanciarle de otros artistas, pero Gauguin marchó al extranjero hacia 1885, y Guillaumin se quedó casi solo. Fue entonces cuando éste entabló amistad con Vincent van Gogh cuyo hermano, Theo vendió algunas de sus obras. Ya en esos años, el impresionismo que él representaba ganaba estimación en el mercado, y sus obras recibían elogios. En 1886 se casó. En 1891 Guillaumin ganó un premio de lotería de 100.000 francos, una verdadera fortuna que le permitió vivir ajeno a las exigencias del mercado y pintar como él quería. Esto le distanció de las corrientes más rompedoras del momento, aunque recuperó vigencia cuando le dedicaron una antológica en el Salón de Otoño. En 1904 viajó a Holanda y realizó al menos dos grabados de paisajes del lugar.

Conocido por sus colores intensos, los principales museos del mundo muestran obras de Guillaumin, si bien en España su presencia se reduce al Museo Thyssen-Bornemisza. Se le conoce sobre todo por sus paisajes de París, el departamento de Creuse, y la región alrededor de Les Adrets-de-l’Estérel, cerca de la costa mediterránea, en la región francesa de Provenza-Alpes-Costa Azul. Falleció en 1927 en Orly (Val-de-Marne), localidad donde se halla uno de los aeropuertos de París.

Margaret Tarrent

Margaret Winfred Tarrant nació en Battersea, un suburbio del sur de Londres en 1888. Fue la única hija de Percy Tarrant, gran pintor de paisajes, y Sarah Wyatt. El trabajo de su padre influyó mucho en su vida y en su decisión de dedicarse a la ilustración.

Su primera educación pictórica la recibió en el departamento de arte la Chapham High School, donde ganó muchos premios de pintura. Posteriormente se trasladó a la Clapham School of Art. Aunque empezó a trabajar como ilustradora, continuó su educación en la Heatherney’s School of Art, en 1918, y en 1935 en la Guildford School of Art, donde conoció a la también ilustradora Molly Brett.

En 1930 lo padres de Margaret enfermaron y necesitaron sus cuidados. La salud de su padre se deterioró de tal manera que Margaret se tuvo que encargar de finalizar sus pinturas. Sus padres murieron en 1934, con un mes de diferencia.

En las décadas de los 20 y 30, sus pinturas religiosas se pusieron muy de moda. Para completar la recopilación de materiales para su trabajo, la Medici Society la envió a Palestina en 1936. Tras la muerte de sus padres, era exactamente lo que necesitaba. Los paisajes y las gentes de Palestina la inspiraron mucho para su obra.

Tarrant fue íntima amiga de Molly Brett, otra ilustradora de niños, animales y hadas, quien se trasladó a vivir con ella cuando su salud empezó a debilitarse. Fue también amiga de Cicely Mary Barker, ilustradora de libros para niños. Ambas tenían los mismos intereses. Tanto Barker como Tarrant son conocidas por sus libros de hadas, siendo imposible saber quién influyó en quién.

Margaret Tarrant murió a los 71 años, en 1959.

Andreas Marschall

Andreas Marschall es un polifacético artista alemán nacido en enero del año 1961 en Karlsruhe. Comenzó su carrera en 1981 como dibujante de cómics e ilustrador de carteles de películas y portadas de libros. Tuvo un gran reconocimiento en el mundo del heavy metal como dibujante de portadas de cientos de discos de bandas tan relevantes como Blind Guardian, Running Wild, Grave Digger, In Flames, Obituary, King Diamond, Kreator y Hammerfall, en las que con gran detallismo refleja su interés por los mundos de fantasía.

A principios de la década de los 90 amplió sus miras profesionales trabajando de editor en cine y televisión, así como de director en más de 60 videoclips y cortometrajes. Con la banda Kreator colaboró en la creación de una película de terror-musical llamada «Hallucinative Comas».

En 2004 hizo su debut como director de cine con una película llamada Tears of Kali en la que mostró una gran devoción por el género Giallo, particular estilo de terror cultivado en la Italia de los 60 y 70. Este film gozó del reconocimiento del sector siendo premiado en el festival de cine fantástico Melies D´Argent. En 2012 presentó su película de terror Máscaras.

Eugene Delacroix

(Saint-Maurice, 1798-París, 1863)

Pintor francés considerado como el gran maestro del movimiento romántico en Francia. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes y en el estudio de P. Guérin, discípulo de David, donde pudo conocer la obra de Géricault y de Gros. También se interesó por la obra de Rubens, Goya, Miguel Ángel y el Veronés.

Sus primeras obras importantes fueron Dante y Virgilio en los infiernos y Las matanzas de Quíos . Su obra es un verdadero compendio de la pintura romántica, por el cromatismo brillante, la libertad expresiva y la temática exótica y literaria ( Odaliscas , La muerte de Sardanápalo ).

En 1831 realizó La libertad guiando al pueblo , que le valió la cruz de la Legión de honor. En 1832 visitó Marruecos y Andalucía y se interesó por la vida árabe y judía y por sus costumbres e indumentaria ( Mujeres de Argel ).

Después de 1840, pareció volver al mundo antiguo, pero sin caer en la frialdad del neoclasicismo ( La justicia de Trajano ). Una parte importante de su obra está constituida por encargos oficiales (techo de la galería de Apolo en el Louvre). Según sus propias palabras, quiso unir a Miguel Ángel con Velázquez; por ello, su obra se mantiene en un equilibro entre lo clásico y lo romántico.

Bibliografia: Biografia Multimedia Protagonistas de la Historia.

Yū Watase

Yuu Watase (nacida el 5 de marzo de 1970 en Osaka), es una mangaka japonesa que se dedica exclusivamente al género shōjo de mangas. Yuu debutó en 1989 con Pajama de Ojama (Visita en Pijama), historia publicada en Shōjo Comic (más conocida como Sho-comi), revista donde publica sus posteriores obras.

Trabajos realizados

En Flower Comics

* Fushigi Yūgi – 18 Vols.

* Fushigi Yūgi Genbu Kaiden – 12 vols.

* Shishunki Miman Okotowari, Zoku Shishunki Miman Okotowari, Shishunki Miman Okotowari Kanketsu Hen – 3 Vols.

* Epotoransu! Mai – 2 vols. (1 en España)

* Ayashi no Ceres – 14 vols.

* Imadoki! – 5 vols.

* Alice 19th – 7 vols.

* Zettai Kareshi – 6 vols.

* Appare Jipangu! – 3 vols.

Colección de Obras de Yuu Watase 1. Gomen Asobase! 2. Magical Nan 3. Otenami Haiken! 4. Suna no Tiara 5. Mint de Kiss Me

Colección Yuutopia 1. Oishii Study 2. Musubiya Nanako

En Flower Comics Deluxe, Kanzenban, Shogakukan Bunko

* Shishunki Miman Okotowari – 3 vols.

* Pajama de Ojama * Mint de Kiss Me

* Fushigi Yūgi Kanzenban – 9 vols.

* Fushigi Yūgi

* Epotoransu! Mai

* Sakura Gari – 3 vols.

Novelas

* Shishunki Miman Okotowari

* Maseikishinden

* Fushigi Yūgi

* Ayashi no Ceres

* Yada ze!

* Zettai Kareshi

Remedios Varo

Remedios Varo(Anglés, 1913 – México, 1963)

Pintora hispano-mexicana relacionada en sus inicios con los movimientos de vanguardia, su obra se inscribe dentro de un surrealismo muy personal. Entre sus cuadros, caracterizados por una gran profusión de imágenes y una peculiar combinación de poesía y humorismo, destacan Insomnio (1942-1947), Modelo de traje para vagabundo (1957) y Vampiros vegetarianos (1962).

Remedios Varo estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, en la que tuvo como profesores a Manuel Benedito y Julio Romero de Torres. En 1930 se casó con su compañero de estudios Gerardo Lizarrageside y en 1932, después de una estancia en París, pasó a Barcelona y compartió taller con el pintor Esteve Francés, con quien se introdujo en la estética de la vanguardia y se interesó por el surrealismo.

En 1936 participó en la Exposición Logicofobista realizada en Barcelona y, desde entonces, se acercó a los componentes del surrealismo francés. Durante la Guerra Civil (1936-1939) conoció al escritor francés Benjamin Péret y, tras un tiempo de vida en común en España, marcharon a París. En la capital francesa participó en las reuniones y exposiciones surrealistas. Tras la invasión del ejército alemán, abandonó París y se instaló en México (1941).

Allí empezó a trabajar como artesana, pero enseguida pasó a formar parte del grupo surrealista y a relacionarse otra vez con Esteve Francés y, sobre todo, con la pintora británica Leonora Carrington, cuyo fuerte ascendiente artístico fue definitivo en la concepción estética de la creadora española. También formaron parte del grupo al que era asidua Octavio Paz, César Moro, Eva Sulzer, Gunther Gerzso, José Horna y Gordon Onslow-Ford, entre otros.

Insomnio (1942-1947), de Remedios Varo

Varo participó en las exposiciones First Papers of Surrealism de Nueva York (1942) y Le Surrealisme de la Galería Maeght de París. En 1956 presentó su primera gran exposición de carácter individual en Ciudad de México; a partir de ese momento se convirtió en uno de los nombres más reconocidos de la pintura del país. De hecho, no fue hasta la década de 1950 cuando se dedicó por completo a la creación pictórica, persuadida por Walter Gruen, su último marido.

Su obra anterior a la Guerra Civil es poco conocida, pero lo que se ha conservado indica la dirección que iba a seguir en los años posteriores: imaginería onírica dentro de los parámetros del surrealismo ortodoxo (que después se haría más libre) e ingenuismo estilístico. Su conciencia narrativa, a menudo recargada de figuras tomadas de los cuentos infantiles, llega en algunas obras a hacerse casi sofocante. Aun siendo ello interesante, la autora dio lo mejor de sí cuando se ocupó más en crear relaciones espaciales y cromáticas per se, liberadas de abigarramientos iconográficos. No obstante, son muy célebres sus exploraciones de diminutos mundos fantásticos (con evidentes evocaciones del mundo medieval y de la pintura de El Bosco y Brueghel el Viejo), su gusto por las escenas referidas a la alquimia y sus metamorfosis de la figura femenina, mito primero de la creación simbolizado como fuente natural de belleza y regeneración.

Poco conocida, aunque al menos tan interesante como su pintura, es su obra escultórica. Se trata de una colección de piezas elaboradas a partir de huesos, espinas de pescado y toda suerte de restos orgánicos, alambres, cuerdas, etc. Muchas de ellas presentan apariencias de fósil fantástico, esqueleto animal o tótem tribal; son obras verdaderamente conseguidas y dignas de enriquecer el cuadro de honor de las mejores rarezas de la figuración surrealista española. La carrera artística de Remedios Varo se vio truncada por un fatal paro cardíaco en su etapa de plenitud creativa.

 

Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki es un director de cine de animación, ilustrador, dibujante de cómics (mangaka) y productor de dibujos animados (anime) japonés, nacido en Tokio el 5 de enero de 1941. Cofundador de Studio Ghibli y director de populares filmes de animación como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke, Mi vecino Totoro, El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado.

Su retirada como director de proyectos de animación en Ghibli fue anunciada el 1 de septiembre de 2013 a través de un comunicado remitido por el presidente de la compañía, Koji Hoshino.

Biografía Desde joven supo que se dedicaría al negocio de su padre. Cursó estudios de ciencias económicas, sin embargo, en la década de los sesenta comenzó a trabajar en Toei con el cargo de intercalador (encargado de dibujos entre movimientos). Con el tiempo se convirtió en secretario en jefe del sindicato, donde conoció a Isao Takahata, gran amigo que luego sería colega en el Studio Ghibli.

Miyazaki fue ganando más responsabilidades en sus primeros años de trabajo, lo que le lleva a colaborar con Isao Takahata en los anime Heidi, Marco y Ana de las Tejas Verdes para el estudio Zuiyô Enterprise, que más tarde se convertiría en Nippon Animation, en los setenta. En 1978 dirige su primera serie Conan el niño del futuro y en 1979 su primera película El castillo de Cagliostro, única no considerada del Studio Ghibli.

Después de crear la película de Lupin, Miyazaki fue desarrollando un anime en su propio estudio. En 1982 el manga Kaze no Tani no Naushika (Nausicaä del Valle del Viento) apareció por primera vez en la revista Animage como fruto de una de esas ideas. Este trabajo da un fuerte impulso a su carrera, al mostrar un estilo diferente, pasando del cómic infantil al imperante en la época. Anteriormente sólo había publicado un par de mangas, entre ellos Shuna no taby. Mientras Miyazaki se desempeñó de manera independiente, se dedicó a trabajar en un manga, que tuvo muy buena acogida por parte de los lectores y se le ofreció la oportunidad de hacer una versión animada de Nausicaä. Este ofrecimiento le dio por fin la oportunidad de realizar su ansiado proyecto de creación de un estudio.

En la primera mitad de los años 1980 dirigió algunos episodios de la serie animada Sherlock Holmes y en 1985, junto a Isao Takahata, abre su propio estudio de animación: Studio Ghibli.

Su retirada como director en el popular estudio japonés se anuncia mediante comunicado oficial en septiembre 1 de 2013.

Obra

La mayor parte de su obra ha estado enfocada en los niños. En ella trata temas de contenido, con mensajes antibélicos, o aborda temas complejos como el hombre y la naturaleza, el individualismo, la responsabilidad, lo que le ha valido el reconocimiento público de Occidente y el de los especialistas. Nausicaä del valle del viento es considerada la primera película del Studio Ghibli. Supuso su primer gran éxito en Japón y la creación de dicho estudio. La princesa Mononoke le representó un gran reconocimiento internacional debido a que fue una de las primeras películas de su estudio que se lanzaba al mundo. Obras anteriores a esta, como Mi vecino Totoro, Kiki, entregas a domicilio o Porco Rosso, alcanzaron cierto interés internacional. El viaje de Chihiro recibió el Oso de Oro de la Berlinale 2002, el Óscar a la mejor cinta animada en 2002 y el reconocimiento a su trayectoria en el Festival Internacional de Cine de Venecia. El castillo ambulante fue nominada al Óscar 2005 como mejor película animada. Con Ponyo en el acantilado, vuelve a obtener el reconocimiento de la crítica y entra entre los veinte candidatos a los Premios Óscar 2009 en la categoría Mejor película de animación.

Filmografía

* Lupin III: El castillo de Cagliostro (Rupan sansei: Kariosutoro no shiro) 1979

* Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no tani no Naushika) 1984

* El castillo en el cielo (Tenkū no shiro Rapyuta) 1986

* Mi vecino Totoro ( Tonari no Tótoro) 1988

* Nicky, la aprendiz de bruja (Majo no takkyūbin) 1989 (En América: Kiki: Entregas a domicilio; en Argentina: El delivery de Kiki; en España: Nicky, la aprendiz de bruja)

* Porco Rosso (Kurenai no buta) 1992

* La princesa Mononoke (Mononoke Hime) 1997

* El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi) 2001

* El castillo ambulante (Hauru no ugoku shiro) 2004 (En América: El increíble castillo vagabundo; en España: El castillo ambulante)

* Ponyo en el acantilado (Gake no ue no Ponyo), 2008 (En América: Ponyo y el secreto de la sirenita; en España: Ponyo en el acantilado)

* Kaze Tachinu (Kaze Tachinu), 2013

Como guionista o productor:

* Las aventuras de Hols: Príncipe del sol (Taiyō no Ōji: Horusu no Daibōken) 1968 (productor, director de animación, diseñador gráfico)

* El gato con botas ( Nagagutsu o Haita Neko) 1969 (productor ejecutivo, diseñador gráfico)

* Panda Kopanda (Panda Kopanda) 1972 (guionista)

* Recuerdos del ayer (Omohide Poro Poro) 1991 (productor)

* Pompoko (Heisei Tanuki Gassen Pompoko) 1994 (productor)

* Susurros del corazón (Mimi wo sumaseba) 1995 (guionista, productor y productor ejecutivo)

* Haru en el reino de los gatos (Neko no ongaeshi) 2002 (guionista)

* Arrietty y el mundo de los diminutos (Karigurashi no Arrietty) 2010 (guionista)

* La colina de las amapolas (Kokuriko-zaka kara) 2011 (guionista)

Jean Baptiste Monge

Jean-Baptiste Monge, nació el 11 de junio 1971 en Nantes, es un francés autor de libros de fantasía  e ilustrador. Vive actualmente en Canadá, en una pequeña ciudad, al norte de Montreal.